Nick Waterhouse y su estilo vieja escuela

El californiano Nick Waterhouse, al igual que su música, parece salido de una máquina del tiempo. A este chaval de 25 años, con cara de niño bueno, peinado de raya definida y gafas de pasta, lo que le atrae es el Rhythm & Blues de los 50. Y no es que intente adaptar esos sonidos de cuando el rock estaba todavía en pañales a las tendencias musicales actuales, sino que intenta emular directamente a sus viejos ídolos en busca del single perfecto.

Las técnicas utilizadas para grabar sus singles son las mismas que las empleadas en los antiguos estudios de grabación, donde la digitalización de la música no era posible y todo el proceso se realizaba en analógico. Y es que como bien se lee en el texto que acompaña a su primer álbum, Time’s All Gone, publicado este año por Innovative Leisure (Los Angeles) y cuyo título no puede ser más significativo, “todo lo referente a Nick Waterhouse comenzó con un single de 45 rpm”.

Su pasión por los 45 revoluciones, desarrollada en parte en la tienda de Dick Vivian, en San Francisco, se adivina en todas las canciones del álbum: melodías simples pero vibrantes, letras repetitivas, doo-wahs y chasquidos de dedos. El saxofón de Ira Raibon está muy presente y es el instrumento que le da cuerpo a todos los temas.

Incluso la presentación del álbum sigue el estándar de los 50, pues el póster que acompaña a la versión vinilo y al CD es en blanco y negro y con una maquetación propia de la época. Por supuesto, Waterhouse ha dado prioridad al vinilo sobre el CD, cuyo formato es igual al del primero (mismas proporciones pero en tamaño CD) y que creo ha sido editado por una cuestión puramente práctica en unos tiempos en los que sólo unos pocos conservan un reproductor de vinilos.

Aunque demasiado obsesionado bajo mi punto de vista con su puritanismo musical, que parece convivir con un exagerado desdén por lo actual, Waterhouse ha creado un disco con mucho encanto y muy bailable. Bailable al viejo estilo, claro está. Quizás está aún lejos de conseguir el single perfecto, como él quería, pero sus canciones consiguen retrotraerte a una América en la que los chicos se llamaban Bobby y las chicas Peggy Sue, cuando el Rock’n Roll estaba llamado a convertirse en el rey de todas las músicas.

Tim Minchin, el músico irreverente

Los recursos que utilizan los humoristas en sus sketches o actuaciones suelen ser muy variados, y no es infrecuente que se recurra a la música como medio para hacer reír al espectador. El australiano Tim Minchin basa su humor irreverente precisamente en esto, en la música. De hecho, él se considera más bien músico y compositor, pero sus canciones "resultan ser graciosas". Combina su envidiable habilidad al piano con unas letras ácidas repletas de juegos de palabras (lo que no impide del todo seguir las canciones con subtítulos) y gobernadas por un gran sentido crítico.

Y es que Minchin es muy apreciado en los círculos escépticos por su continuas críticas a fundamentalistas, creacionistas y todos aquellos que menosprecian a la ciencia y se obcecan explicar el mundo desde un punto de vista puramente religioso. De hecho, despertó una gran polémica cuando en abril de 2010 publicó en Youtube un vídeo con animaciones de Fraser Davidson como respuesta a un artículo del New York Times en el que se daba a conocer que el Papa había protegido a un sacerdote que había estado importunando a jovencitos.

En lugar de este anecdótico vídeo, que utiliza un lenguaje bastante duro que puede ser ofensivo para algunos, os traigo tres canciones de Minchin en directo y subtituladas al español. En la primera, Storm, la mejor de las que yo he escuchado, hace una crítica directa a todas esas pseudociencias y pseudoecologismos que pueblan las mentes de tanto ingenuo narrando su encuentro con un espécimen realmente disparatado. En la segunda, Inflatable You, enumera todas las maravillosas virtudes de su pareja... hinchable. Es curiosa la atención que ponen los músicos en las amantes de plástico (ahora mismo me viene a la cabeza la genial Plastic Fantastic Lover, de los Jefferson Airplane, pero creo recordar que me he topado alguna vez con otras, además de la del disco homónimo de la Orquesta Mondragón), quizás por eso de que no protestan. Por último, en Rock and Roll Nerd describe al típico muchacho que quiere ser estrella de rock pero que al final sólo es un "nerd" (un "pringao") que ni bebe, ni trasnocha y ni siquiera sabe tocar la guitarra.

En fin, todo un artista provocador del que podéis encontrar muchísimas canciones más en Youtube, y substituladas al español. Espero que lo disfrutéis tanto como yo.

(Gracias a Marta por la referencia)

Pink Tones

Cuando hace poco estuve en San Sebastián y vi anunciado un concierto de los Pink Tones, una banda homenaje a Pink Floyd, no me decidí a ir porque creía que sería un grupo de fans más que no me sorprenderían nada habiendo visto a Roger Waters interpretando The Dark Side of The Moon y con la entrada de su próximo concierto en Madrid el próximo mes de marzo ya en el bolsillo. ¡Pero qué equivocado estaba! El concierto que dieron anoche en la sala El Tren de Granada fue realmente espectacular: más de dos horas interpretando diferentes temas del grupo inglés con una precisión increíble, fruto de haber estudiado a conciencia las canciones de esta gran banda.

Y es que cada miembro tenía asignada su función, perfectamente sincronizada con la de los demás. Álvaro Espinosa, voz principal y guitarra, se entregaba como nadie, reproduciendo casi a la perfección hasta los solos de los discos originales, y todo eso con aparente tranquilidad, dejándose llevar por la música, como si se alimentase de ella. Los otros miembros son el sobre todo bajista Cefe Fernández, que también intervenía con frecuencia como vocalista; Gonzalo Palacios, saxo y guitarra; Nacho Aparicio, que manejaba el teclado y el sampler, tan fundamentales en un grupo homenaje si se quieren reproducir los temas lo más fielmente posible, y el batería Antonio Fernández.

Hubo momentos realmente épicos, como cuando Cefe sacó el megáfono en The Thin Ice o cuando el volumen de la música descendió bruscamente al final de Have a Cigar, dando la sensación de que se estaban realmente reproduciendo los temas de Pink Floyd en un equipo de música. Mis favoritas fueron Shine on You Crazy Diamond y Money, esta última impecable, desde el ritmo de Nacho al principio hasta la variación de guitarra que introdujo Álvaro al final, pasando por el espectacular solo de saxofón de Gonzalo. Y todos sobrecogidos, y el señor de Málaga que tenía al lado preguntándose cómo narices podían ser tan buenos, él que había visto a Pink Floyd actuando en Madrid hace tiempo. Un grupo que no desmerecería comenzar a actuar fuera de nuestro país, que posiblemente sea el siguiente escalón en cuanto a similitud sonora después de lo que está haciendo ahora Roger Waters con sus giras.

P.S: Por problemas logísticos (no tengo conmigo el cable de la cámara que usé ¬¬) la fotografía no es del concierto de Granada, lo siento. En compensación os dejo un vídeo que sí es de este concierto, aunque de calidad regulera. Por cierto, la web de los Pink Tones es genial, y ahí podéis ver vídeos, consultar el setlist o informaros de próximos conciertos.

Music from the Penguin Cafe

En la historia de la música moderna hay grupos con un estilo realmente difícil de describir, cuyas composiciones se escapan a una clasificación cerrada de géneros. Esto le ocurre a la genial banda inglesa Penguin Cafe Orchestra, cuyo primer álbum, Music from the Penguin Cafe, publicado en 1976 y auspiciado por el sello discográfico de Brian Eno, es una auténtica maravilla compositiva.

Hablemos antes un poco del grupo, cuyo núcleo lo formaban el compositor y arreglista Simon Jeffes y la cellista Hellen Liebmann. El resto de músicos eran escogidos según lo requiriesen las piezas compuestas por Jeffes, cuya muerte en 1997 puso fin a la banda tras 24 años de trayectoria. Al parecer, el nombre tiene su origen en los delirios febriles que padeció Jeffes en 1972 tras ingerir pescado en mal estado (más información en Wikipedia).

Su música combina influencias de la música folk, de música clásica (especialmente de la música de cámara barroca) y jazz. Estilos muy dispares que Jeffes fusionaba con verdadera maestría, resultando unas composiciones en su mayoría instrumentales dónde la experimentación es la principal característica. Las portadas de sus álbumes, con un genial toque surrealista, incluyen por lo general a hombres con cabezas de pingüino en diversas actividades.

En cuanto a Music from the Penguin Cafe, hay que decir que es un disco difícil de analizar en una primera escucha. El álbum abre con Penguin Cafe Single, que tiene una melodía que parece evocar una tranquila tarde veraniega y cuyo título ironiza acerca de la poca proyección comercial de la banda. A este le sigue Zopf, compuesta por siete movimientos independientes y de diversos estilos, y en la cual podemos encontrar las únicas interpretaciones vocales del disco. Puede que la más lograda sea la maravillosa The sound of someone you love who's going away and it doesn't matter, cuyos 11 minutos reflejan a la perfección los sentimientos implicados en el largo título (algo así como "el sonido de alguien amado que se va y no importa"), desde el tono melancólico que parece dominar el principio y el final de la pieza hasta los sonidos más violentos que aparecen en la segunda mitad.

En definitiva, se trata de un álbum magnífico grabado con un gusto exquisito, para escuchar tranquilamente en la sombra de algún jardín. Un disco que se grabó completamente al margen de la escena comercial de entonces y que sigue conservando intacta su frescura y originalidad.

Django Reinhardt, el guitarrista manouche

Django Reinhardt fue quizás el primer artista de jazz europeo que se hizo internacionalmente famoso. Nacido en Bélgica en 1910, de origen gitano, manejaba la guitarra con una maestría envidiable, lo que tiene aún más mérito si tenemos en cuenta que tenía dos dedos de la mano izquierda inutilizados a causa de un incendio que se desató en su casa-carromato. A pesar de todo consiguió ingeniarse un nuevo sistema de digitación para seguir tocando su jazz manouche, esa mezcla tan característica de swing y música popular gitana.

Y es que Django no sólo era un virtuoso instrumentista, sino también un genial compositor. Sin tener ni idea de música formal, componía los temas de oído y luego su amigo, el violinista Stéphane Grappelli, con quién tocó durante mucho tiempo, los transcribía a papel pautado. Su tema más famoso es sin duda Minor Swing, que os sonará porque aparecía no hace mucho en el anuncio del Renault Grand Scenic.

Si os ha gustado el estilo, no os perdáis el programa que dedicó A Todo Jazz, el magnífico espacio de jazz de Radio 3, a Django con motivo del 57 aniversario de su muerte. Se nos fue con tan solo 43 años de una congestión cerebral, aunque le dio tiempo a dejarnos una gran cantidad de temas grabados. Podéis encontrar además una cuidada selección de ellos en Djangologie, una caja de 4 CDs editada este año.

Roger Waters trae The Wall a España

Sin palabras me quedo al leer en ABC que Roger Waters, antiguo líder de Pink Floyd, va a recuperar el disco The Wall en un tour mundial que pasará por Madrid y Barcelona, en concreto los días 25 y 29 de marzo de 2011, respectivamente. Como ya hiciera con The Dark Side of the Moon hace dos años, Waters echa la vista atrás para traernos en directo los clásicos de Pink Floyd en una oportunidad única.

Al parecer, esta gira puede ser el último gran tour de la carrera de Roger Waters. Se utilizarán las nuevas tecnologías para crear un espectáculo más completo si cabe que los de la grandiosa y exclusiva minigira original de 1980 y 1981: habrá inmensos artefactos y un muro de 73 metros de ancho por casi 11 de alto sobre el que se proyectarán imágenes en 3D y en 4D (!!).

En 2008 yo tuve la suerte de ver el concierto que dio en Atarfe (Granada) dentro de The Dark Side of The Moon Live en una magnífica primera fila, y os puedo asegurar que verle en esta nueva gira merecerá la pena. En aquella ocasión, todas las canciones iban acompañadas de soberbias imágenes acordes a ellas proyectadas en una enorme pantalla, y hubo desde fuegos artificiales hasta muñecos inflables gigantes (el famoso cerdito de Animals). ¡Ay!, espero no perderme esta gira por nada del mundo.

El regreso de Hendrix

Los seguidores del genial guitarrista Jimi Hendrix están de enhorabuena, pues hoy se publica Valleys of Neptune, un disco de canciones inéditas rescatadas por la familia del artista, que gestiona todo su material a través de la empresa Experience Hendrix LLC. El álbum, con neptuniana portada azul, ha sido mezclado por el ingeniero de sonido que trabajó siempre con Hendrix, Eddie Kramer, y contiene 12 canciones.

Por supuesto, siempre que se habla de disco inédito tras tantos años de la muerte del artista, es muy raro que todos los temas sean inéditos al 100%. Así, algunos ya circulaban por ahí, mientras que otros son rarezas de estudio, versiones de canciones ya publicadas. También encontramos una versión instrumental del Sunshine Of Your Love de Cream que no está nada mal. Las únicas canciones realmente inéditas son Lover Man y Crying Blue Rain, la primera más eléctrica y movida y la segunda, instrumental, con un ritmo bluesero que va acelerando paulatinamente.

Aún no he podido escuchar el disco completo, que está ya disponible en Spotify, pero por ahora tiene muy buena pinta. Podéis encontrar más información en ABC.

P.S: Ojo, que nos espera más: al parecer esto sólo va a ser el comienzo de una saga de publicación de material inédito de Hendrix, incluyendo grabaciones de vídeo, que nos tendrá ocupaditos durante toda la década.

Ok Go vuelven a conquistar Youtube

Ok Go, el grupo norteamericano de indie rock, ya deslumbraron con los videoclips de "A Million Ways" y "Here It Goes Again", que los dio a conocer mundialmente a través de Internet. En el primero, con un presupuesto ínfimo, se montaban un baile la mar de simpático que fue imitado por un gran número de internautas, mientras que en el segundo ejecutaban una difícil coreografía sobre cintas andadoras de gimnasio.

Pues bien, ahora vuelven a sorprendernos con un nuevo videoclip, el del tema "This Too Shall Pass", para el que han montado una máquina de Rube Goldberg increíblemente grande y en el que ha habido que invertir más de un mes de trabajo. Ni que decir tiene que ya se ha convertido en el vídeo más visto en Youtube esta semana, y es que el resultado es asombroso. Ved el vídeo en pantalla completa, porque realmente merece la pena.

Para el que no lo sepa, una máquina de Rube Goldberg es un artilugio extremadamente complejo destinado a resolver una tarea muy sencilla. Como ejemplos patrios tenemos los inolvidables inventos del profesor Frank de Copenhague, publicados en el TBO, y, más reciente, el Efecto Mariposa que montan de vez en cuando en el programa El Hormiguero.

(Vía ABC)

Heavy Weather

Para esta ya larga temporada de lluvias, qué mejor que el álbum Heavy Weather (literalmente "tiempo meteorológico duro"), del grupo de jazz fusion neoyorquino Weather Report. Publicado por Columbia Records en 1977, el disco se convirtió en todo un superventas, especialmente por su primer tema, Birdland.

Para los que no estén muy metidos en el género, ¿qué eso de jazz fusion? También conocido como jazz rock, se trata de una corriente del jazz surgida a finales de los años 60 en la que se combinan tanto elementos de jazz como ritmos propios del R&B, del funk o del rock, ortorgando especial importancia a la improvisación.

Heavy Weather, cuya magnífica portada, creada por Lou Beach, fue nominada a los Grammy, abre con el ritmo alegre de la conocida Birdland, dónde ya se pone de relevancia el elemento clave del disco: el bajo. Y es que los punteos de este instrumento, tocado por el maestro Jaco Pastorius, son una importante base para la mayoría de los temas, que parecen contruidos a partir de su melodía. El álbum alterna entonces temas sosegados y más movidos. A Birdland le sigue el potente saxo de Wayne Shorter en la tranquila A Remark You Made, a la que sucede Teen Town, dónde el bajo de Pastorius, cuyo solo al principio de la canción pone los pelos de punta, vuelve a ser el protagonista. La breve Rumba Mama, directo construido exclusivamente a partir de percusión y voz, se revela como una suerte de homenaje al latin-jazz, y en Palladium se rinde tributo al mítico club latino neoyornoquino del mismo nombre. El disco se cierra con The Juggler, con cierta influencia de la música popular medieval, para terminar con el ritmo frenético de Havona.

En conclusión, un disco magnífico, clave para comprender la corriente de jazz fusion y, por supuesto, esencial para todos aquellos a los que les guste tocar el bajo. Lástima que el virtuoso Pastorius, cuyo bajo, por cierto, no tenía trastes y que padecía de un desorden bipolar, muriese tras un altercado violento en una tienda de licores en 1987, con sólo 35 años.

Charlie Parker visto por Cortázar

Uno de los relatos más célebres de Julio Cortázar es El Perseguidor, basado en los últimos años de la vida de Charlie Parker, el genial saxofonista que murió con tan solo 34 años. Cortázar, 5 años después de su muerte, trasladó la Nueva York de Parker al París de su álter ego, Johnny Carter, e hizo un retrato de los excesos de un hombre que, sin quererlo, se encuentra en un mundo que no acepta y del cual intenta alejarse. En ese sentido, el mismo autor reconoció que se trataba de "la pequeña Rayuela", por anticipar los temas tratados en su principal obra.

Pues bien, en el 50 aniversario de la publicación de El Perseguidor se ha reeditado con una veintena de ilustraciones del dibujante argentino José Muñoz, cuyo estilo se caracteriza por un blanco y negro de marcadas siluetas. Podéis ver varios de los dibujos en El País, además de una pequeña entrada en La Cárcel de Papel. También os dejo aquí un magnífico recopilatorio de Charlie Parker para que disfrutéis de este maestro del jazz mientras leéis o releéis a Cortázar.

Emerson, Lake & Palmer - Tarkus

Tarkus, segundo álbum de los ingleses Emerson, Lake & Palmer, es más que un disco: supone todo un microcosmos repleto de metáforas y simbolismo, así como una herramienta reivindicativa contra los desmanes de los gobiernos occidentales. Editado en 1971, coincidiendo con la inauguración de la Conferencia Internacional de Crímenes de Guerra en Oslo, es una de las mejores obras de rock progresivo y una de las más variadas.

El disco se abre con la monumental Tarkus, cuyos 20 minutos son un derroche de virtuosismo dónde la percusión, el órgano y la guitarra arropan las ocasional voz de Greg Lake (otrora miembro fundador de King Crimson), que arremete contra las redes que tejen los poderosos y enfatiza la futilidad de la guerra. Pero además de por su calidad musical, esta pieza narra en varias partes la historia de Tarkus, una especie de tanque-armadillo que representa la industria militar y nace de la erupción de un volcán, el cual va venciendo a todos los enemigos que encuentra a su paso hasta que Mantícora, el monstruo de la mitología babilónica, le vence clavandole su aguijón en el ojo. Esta odisea está maravillosamente ilustrada en la cubierta interior del álbum a modo de cómic, y como final abierto vemos el cuerpo de Tarkus perderse en la corriente del río, sin saber si ha sido totalmente derrotado.

A esta pieza alegórica le siguen una serie de temas cuyo eclecticismo pone de manifiesto la gran capacidad creativa del trío inglés. Jeremy Bender es un alegre honky tonk de letra oscura (¿con cierta referencia incestuosa, quizás?) mientras que Bitches Crystal mezcla rock y jazz en un frenético ritmo de piano. The Only Way (que continúa con Infinite Space) tiene claras referencias a la música barroca, con su órgano de obertura y su ritmo de piano de cámara, y su letra cuestiona la existencia de Dios y defiende el humanismo ("man is man made", el hombre está hecho por el hombre). Se retoma de nuevo el rock progresivo clásico en A Time and a Place, y el disco acaba con el simpático rockabilly Are You Ready Eddie?, un homenaje a su ingeniero de sonido Eddie Offord.

En definitiva, una obra clave del rock progresivo cuya corta duración (38 minutos y medio) no le impide acoger una variedad inmensa de géneros y cuyo mensaje antibelicista y humanista se mantiene vigente hoy día.

Filatelia melómana

El próximo 7 de enero la Royal Mail británica, el servicio de Correos de Reino Unido, pondrá en circulación una serie de sellos postales en homenaje a las mejores portadas de discos realizadas por diseñadores británicos. Tras un exhaustivo estudio, las 10 carátulas seleccionadas son las que aparecen en la imagen, muy diversas en su estilo (tanto gráfico como musical). Desde la sugestión onírica de la portada del Division Bell de Pink Floyd, con esa especie de moais enfrentados, hasta el estilo naïf de Primal Scream en su Screamadelica, pasando por el retoque fotográfico del The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, de Bowie; las gigantes campanas tubulares del disco de Mike Oldfield, o el agresivismo punk de los Clash en London Calling, portada inspirada en un álbum de Elvis Presley.

(Vía Abc)

Muse - The Resistance

El pasado lunes se publicó al fin el esperado disco de Muse, The Resistance, que seguro no va a decepcionar a los fans. En general, la banda inglesa siempre se ha caracterizado por su epicismo y cierta uniformidad musical de tono melancólico que comenzaron a romper en el anterior álbum, Black Hole and Revelations. Con The Resistance, Matthew Bellamy focaliza su talento y consigue crear un conjunto sólido de canciones alrededor de dos motivos principales: la rebelión contra el poder opresor (ya sea político, religioso, cultural o incluso personal) y el amor, descrito con cierto misticismo.

Realmente, los dos primeros temas no tienen nada de particular y sirven como introducción para el argumento central del álbum. En la tercera pista, el grupo se aleja totalmente de su particular sonido en un giro cuanto menos curioso y fuera de lugar entre los demás temas: trabaja con bases electrónicas propias del pop más comercial. Sin embargo, a partir de aquí se revela la maestría de Muse, sucediéndose temas sorprendentes de una épica sobrecogedora. Los contundentes guitarrazos se alternan con melodías de órgano y preciosas piezas de piano, todo acompañado por la dulce voz de Bellamy. Los temas de la rebelión y el amor continúan desarrollándose, recogiendo además importantes referencias como la Eurasia de Orwell en 1984 o la Operación MK Ultra, desarrollada por la CIA en los años setenta para intentar encontrar un método de control mental. Además, se incluyen dos fragmentos inspirados en obras clásicas: el Nocturno Op. 9 n.º 2 de Chopin, en Collateral Damage (genial el final con el ruido de los cazas imponiéndose a la desnudez del piano), y un aria de la ópera Samson et Dalila, en Mon Cœur S'ouvre à ta Voix.

El álbum termina con tres temas reunidos bajo el nombre de Exogenesis, donde la música de inspiración clásica se combina con los instrumentos rockeros poniendo un magistral broche final a la obra. Tras el intento de resistencia contra el poder es necesaria una exogénesis, una huida de esa Tierra mancillada para iniciar la vida de nuevo en otro lugar, desde sus más primitivos inicios, éxodo que se refleja mediante la música con una perfección abrumadora.

Tras escuchar el disco (obviando el más que prescindible tercer tema), se tiene la sensación de haber recorrido el camino junto a los protagonistas. Muse ha confirmado su título como actual grupo de culto del rock internacional, poniendo esta vez especial énfasis en el mensaje y en la manera de transmitirlo al oyente, cohesionando los temas para crear una obra en la que se ha cuidado hasta el más mínimo detalle. Grandioso.

Enorme Leonard Cohen

A sus 75 años, el cantante canadiense Leonard Cohen consiguió reunir anoche en la plaza de toros de Atarfe (Granada) a unas cinco mil personas alrededor de su profunda y cavernosa voz. Agobiado por presiones económicas, el maestro se vio obligado el año pasado a volver a los escenarios y a grabar Live in London, un disco en directo en el que recorre sus temas más importantes. Y es precisamente este disco el eje central de esta gira y el que repasa casi íntegramente en todos los conciertos.

Con su chaqueta negra y su típico sombrero de ala corta, Cohen salió puntual al escenario con todo su equipo y comenzó con Dance me to the end of love. A partir de aquí fueron sucediéndose los clásicos y el ambiente fue animándose: The future, Bird on the wire... y tras el descanso de 15 minutos el público estaba ya preparado para recibir Suzanne, Hallelujah o Tower of song. El clímax llegó con Take this waltz, que no podía faltar en un concierto granadino, pues su letra es la traducción de un poema de Federico García Lorca (Pequeño vals vienés). Cuando llegaron los bises, muchos de los que estabamos sentados en el ruedo nos levantamos y nos acercamos al escenario. Entonces llegaron So long, Marianne, First we take Manhattan o Closing time, que el público acogió con un fervor casi religioso.

Casi tres horas de concierto en la que Cohen se entregó al máximo, agachándose y levantándose como un pipiolo y marchándose del escenario dando saltos, ofreciendo al público su magnífica voz, que el transcurrir de los años ha hecho enronquecer, otorgándole aún más personalidad que en sus inicios. Todo acompañado por su numerosa banda, cuidadosamente seleccionada, en la que cada miembro (9 en total) tocó varios instrumentos a lo largo de la velada. Los solos que cada uno se marcaba (especialmente en I'm your man, en la que participaron por orden todos como solistas) eran acogidos con una reverencia del maestro, que se descubría ante ellos. Hay que destacar el virtuosismo del maño Javier Más (sí, un español), con su bandurria y guitarra española, que dominó el comienzo de Who by fire? con una agilidad de dedos prodigiosa. También hay que quitarse el sombrero ante el coro, formado por las hermanas Charlie y Hattie Webb y por Sharon Robinson, cuyas voces quedaban a la altura de la del canadiense.

Sin embargo, hay que lamentar las condiciones en las que estaban los espectadores del ruedo, cuyos asientos pleglabes estilo Feria de abril y la gran concentración de éstos no se correspondían con el alto precio de las entradas.

Quienes no hayan podido ir al concierto granadino, quizás puedan asistir a las citas que le quedan en nuestro país: 15 de septiembre en Zaragoza, 17 en el Bec de Bilbao y 21 en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Una genial oportunidad (espero que no la última) para escuchar en directo la increíble voz del canadiense.

09/09/09, día B

Hoy es un día especial para los fans acérrimos de los Beatles. Después de más de veinte años con sus discos editados en CD al fin se han remasterizado digitalmente, limando las asperezas surgidas de la grabación: chasquidos electrónicos, sonidos no deseados en el micrófono... Según los que ya lo han escuchado la diferencia es palpable, pues los intrumentos suenan más nítidos y dotan a la grabación de más profundidad, a pesar de que en un principio puede resultar chocante debido a que los niveles sonoros se desplazan un poco aunque se hayan corregido sólo defectos técnicos, nunca musicales.

El precio de cada CD se mantendrá prácticamente igual, alrededor de 17 euros (los dobles saldrán algo más caros), aunque cada uno incorporará un minidocumental que podrá verse en el ordenador, alguno con imágenes inéditas. Además, se ponen a la venta también dos cajas recopilatorias. Una de ellas, de color negro, contiene la discografía remasterizada en estéreo, además de un DVD que recopila los minidocumentales de todos los discos. La otra, de color blanco, viene con las versiones originales en mono, el recopilatorio Mono masters y un librito con información. Sin embargo, no pensemos que por comprar todo el paquete nos ahorraremos algo: el precio es de 240 y 280 euros, respectivamente. Y se echa en falta una reedición de los vinilos para nostálgicos.

Por último, hoy también comienza a venderse la versión Beatle del juego Rock Band, de la cual ya publiqué algo hace unos meses. En fin, un día de triple número que ha reunido (estratégicamente) varios lanzamientos interesantes de los de Liverpool y tras el cual no sé si felicitar a los fans (entre los que me incluyo) por la oportunidad de escuchar sus temas favoritos con mejor calidad o consolarlos por la trama comercial implicada detrás de todo esto y que mantiene los discos del grupo a un precio superior al de otros oldies.

(vía El País y Revista Donjuan)

Arctic Monkeys - Humbug

Allá por el 2005, comenzamos a oír hablar de un grupo de Sheffield. Con tan solo 19 años, consiguieron convertir su primer disco, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, en el álbum de debut más vendido de la historia de Reino Unido en su primera semana. Con una fama alcanzada principalmente gracias a Internet, se hablaba de ellos como la esperanza de renovación del rock británico, aunque su segundo disco, Favourite Worst Nightmare, diluyó en parte las expectativas al ofrecernos más de lo mismo.

Sin embargo, el sonido de los Arctic Monkeys ha cambiado bastante en su nuevo disco, Humbug. Quizás por los proyectos de Alex Turner, el cantante, fuera de la banda o por la colaboración con Josh Homme, miembro de Queen Of The Stone Age, el grupo se aleja de las bases frenéticas de batería y del tono bailable de sus inicios e introducen un estilo más oscuro. Los riffs son más pausados, y la voz de Turner suena más sombría, deslizándose por unas letras más maduras.

Les ha salido un disco bastante bueno, aunque las comparaciones son odiosas. Los de Sheffield han madurado, sí, pero personalmente me parecía más original el tono de sus inicios. Tras varias escuchas, no he encontrado en Humburg ese toque diferente que te hacía escuchar su opera prima y otra vez, sin cansarte en absoluto. De todas formas, bravo por ese cambio de rumbo, y seguiremos atentos a sus próximos trabajos.

Adiós a Les Paul

Hoy ha muerto Les Paul, el legendario guitarrista más conocido por diseñar la clásica Gibson Les Paul, una de las guitarras más populares junto con la Fender Stratocaster, favorita de artistas como Slash, Eric Clapton o Jeff Beck. Esta guitarra, nacida en los 50, influyó decisivamente en la forma de hacer música, tanto rock como jazz o blues. Les Paul, descanse en paz.

Nota vacacional: Los asiduos a este blog habrán comprobado que la frecuencia de publicación de las entradas ha disminuido notablemente en estos meses estivales. Una razón de esto es el ya mencionado viaje a Londres, amén de que muchos de mis colaboradores no disponen de Internet veraniego. Además, el lunes vuelvo a irme de viaje, luego vamos a aplazar la publicación de entradas hasta que acabe agosto, incluidas las entregas de Historia de la Astronomía. Lo siento, pero prometo que en septiembre el nivel de publicaciones volverá a su ritmo habitual.

Tercer trabajo de los Arctic Monkeys

Y... ¿yo sin enterarme? Es lo primero que pensé cuando escuché esto hace unas horas en un programa perdido de la FM a las 4.25 de la mañana... me salió redondo el insomnio. Así que tal y como podéis leer en el titular, vuelven los chicos de Sheffield liderados por Alex Turner, guitarrista y vocalista del grupo conocido como Arctic Monkeys y el cual se hizo famoso desde hace aproximadamente tres años con su álbum debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not.

El grupo vuelve tras un atípico segundo disco (Favourite Worst Nightmare) que rompió las esperanzas que muchos habían puestos en esta prometedora banda de rock, con canciones que no estaban a la altura según los críticos de dicho estilo musical y la mayoría de sus fans.
Dejando atrás ese pequeño bache-disco, los que se enamoraron desde un primer momento de este grupo esperamos que en este disco vuelvan con su rock melancólico a la vez que dinámico, rítmico y pegadizo.

Para mas información dejó un enlace donde se explica algo sobre esta nueva apuesta por parte de Turner y compañia:

Arctic Monkeys - Crying Lighting

Y aquí el single del nuevo album, Humbug

The Best Little Secrets Are Kept

Si existe una palabra que defina la música de The Best Little Secrets Are Kept, el disco de debut (al menos aquí en España) de los californianos Louis XIV, ésta es hedonismo. Editado en 2005, sus enérgicas canciones beben directamente del glam rock que Marc Bolan popularizara con sus T. Rex allá por los 70. De hecho, en el tema Paper Doll parafrasean la canción más conocida de los ingleses ("Ah bang a gong or get it on").

Acusado de machista, las letras de este álbum están plagadas de alusiones sexuales, algunas veladas y otras no tanto, muy cercano a los excesos del Versalles del monarca que da nombre al grupo. En el tema principal, Finding Out True Love Is Blind, se enumera toda una lista de arquetipos femeninos, todos igual de deseables según la letra; y en Paper Doll y Pledge Of Allegiance se narra el contacto con dos chicas no caracterizadas precisamente por su recato, la última aderezada por unos puntuales gemidos femeninos. Por otro lado, la primera canción, homónima al grupo, tiene un marcado carácter narcisista, con esa repetición constante de "Me, me, me, me".

Pero no nos equivoquemos, detrás de estas letras que han escandalizado a los piadosos estadounidenses no se encuentra más que una voluntad de provocación, reflejada además en la portada del álbum, con esa espalda femenina en la que están escritos los nombres de las canciones. La voz sensual, susurrante y lujuriosa de Jason Hill, el líder del grupo, se desliza suavemente sobre las bases de guitarras distorsionadas y los ritmos alegres que dominan el disco hasta llegar a los dos últimos temas. Destaca especialmente, además de las ya mencionadas, Illegal Tender, con un peculiar sonido fiestero.

Un álbum perfecto para prepararse ante una noche de excesos pero con la dosis de sonidos experimentales suficiente como para volverlo interesante. En mi opinión, de lo más original que se ha editado en los últimos años; un trabajo que no ha tenido la publicidad que se merecía, al margen del escándalo de sus letras.

Adiós al Rey del Pop

Michael Jackson ha fallecido a los 50 años de un paro cardíaco. Icono indiscutible de la cultura pop, autor de grandes canciones y uno de los artistas más vendidos de la historia. Descansa en paz, Michael.