¿Netflix es el futuro?

Desde el nacimiento del entretenimiento de masas, en los primeros años del siglo XX, el volumen de la industria no ha hecho más que crecer hasta hace unos años. Se han construido muchas fortunas a base de él y parecía que la cosa siempre iría a más si uno tenía buen ojo para encontrar estrellas, pues gracias a las mejoras tecnológicas cada vez se alcanzaba a un mayor número de personas. Pero uno de estos avances, Internet, ha hecho tambalearse los cimientos de la industria. Las grandes discográficas, productoras y editoriales intentan convencerse y convencer al resto, principalmente a los Gobiernos, de que los intermediarios siguen siendo igual de importantes y tienen que seguir llevándose el mismo pellizco cuando gracias a Internet son menos necesarios que nunca.

Pero por suerte, y a pesar de que sólo se interviene para reducir la piratería y no los precios, las cosas van cambiando poco a poco y surgen nuevos modelos de negocio que apuntan en la buena dirección. Es el caso de Netflix, una empresa americana que ofrece películas y series en streaming, es decir, para ver online, por una tarifa mensual más que razonable, unos 8$ al mes. El catálogo y la calidad (para tratarse de Internet) son impresionantes. Más que como un archivo de películas y series funciona como una televisión a la carta, pues es difícil encontrar todo lo que quieras si nos ponemos exquisitos, aunque la oferta es lo suficientemente amplia como para dar rápidamente con algo que te apetezca ver en ese momento.

Por supuesto no puedes encontrar estrenos, pero el tiempo que pasa hasta que puedes tener acceso al material es de menos de un año, dependiendo también del producto en concreto. El uso no puede ser más cómodo: en la página de inicio aparecen películas y series relacionadas con tus gustos, y con sólo un click ya puedes empezar a verla. Además, si la interrumpes, en tu cuenta se guarda el punto exacto en el que te quedaste.

La buena noticia es que seguramente este año llegue a España, aún no se sabe a qué precio. El material al que se tiene acceso varía de país en país, y quizás al principio la oferta no sea demasiado grande. Pero para aquellos que no tengan problemas con el inglés, creo que la versión americana podría funcionar a través de un proxy que emule una dirección IP de EEUU.

Y es que al final empresas como Netflix se están dando cuenta de que la falta de demanda comercial de música y películas (dejemos a un lado los libros, cuyo problema puede tener un origen más triste) no tiene más que un motivo: los altos precios. Porque ¿quién va a molestarse en descargar ilegalmente una película cuando puede verla online en unos segundos por un precio razonable?

Historia del Documental

En la televisión actual se producen y se ven más documentales que nunca. Hay canales específicamente dedicados a ellos y una amplia audiencia se entretiene siguiendo las aventuras de los elefantes africanos en busca de agua o el costoso proceso de fabricación de una pelota de golf. Pero no siempre ha sido así. Hubo un tiempo en el que los documentales no podían competir comercialmente con el resto del cine y debían ser financiados por las instituciones gubernamentales, mientras que ahora las películas de Michael Moore superan en taquilla a la mayoría de las de ficción.

El fantástico libro de Jack C. Ellis y Betsy A. McLane, A New History of Documentary Film, analiza la evolución de este complejo género cuyas fronteras son más difusas de lo que en un primer momento podemos pensar, desde Nanook, donde Flaherty grabó la vida de los inuit, hasta Super Size Me, esa protesta contra la comida basura cuyo protagonista emplea un mes de su vida comiendo sólo en McDonald’s, pasando por la importante labor de Grierson al frente del National Film Board de Canada o la innovación del cinéma vérité en los 60.

Ellis y McLane no se limitan a exponer los hechos sin más, sino que analizan su origen y su conexión con otros movimientos, ya sea dentro del cine o fuera de él. Se hace especial énfasis en cómo los cambios tecnológicos han ido influyendo en la forma de hacer documentales más allá de la reducción de tamaño de las cámaras. Así, por ejemplo, la llegada de la televisión trajo consigo una necesidad de rellenar horario con documentales, más baratos de producir que el material de ficción en la mayoría de los casos. Cada capítulo se complementa con una filmografía esencial sobre ese periodo.

Aunque se advierte al lector desde el principio, el libro tiene un rango de análisis temático y geográfico restringido sin el cual sería mucho más interesante si cabe. En primer lugar, los autores califican como documental sólo aquellos que tienen una temática social y humana, lo que deja a los de naturaleza o tecnología fuera del análisis. Sin embargo, la segunda edición, que sale al mercado en abril de este año y que está firmada sólo por McLane, parece que va incluir nuevos capítulos para tratar, al menos de forma superficial, otros subgéneros. La segunda limitación es que, como bien reza el subtítulo (que ya podrían poner en la portada), se centra en documentales producidos en Estados Unidos, Canada y Reino Unido. Si bien al principio se dedican un par de capítulos al documental ruso de los años 20 y al movimiento avant-garde europeo, sólo se hace referencia a documentales producidos en otros lugares en la medida en que estos han influido en los de estos tres países. Así, los capítulos en los que se habla de lo producido para televisión pueden resultar tediosos para el lector extranjero. Por ello, a no ser que se amplíe más la obra, dudo mucho que sea alguna vez traducida al castellano.

(Gracias a Natalia por prestarme el libro)

Sr. censor

Muy curioso me ha resultado el artículo que he encontrado en El País acerca de la censura cinematográfica en España, coincidiendo con el trigésimo aniversario del estreno en nuestro país de La Dolce Vita, una de las obras cumbre de Fellini, en realidad veinte años más antigua. Lo que llevó a la prohibición de la película no fue tanto la famosa escena en la que Marcello Mastroianni y Anita Ekberg se bañaban en la Fontana di Trevi como la fiesta casi orgiástica del castillo de Sutri.

La censura, llevada a cabo por la Junta Superior de Orientación Cinematográfica, fue a menudo burda, como cuando hicieron hermanos a la pareja adúltera del Mogambo de John Ford. Se ve que el incesto era preferible al adulterio, pues no ocultaban los besos ni los celos, aunque luego quitasen en el Edipo Rey de Pasolini la escena en la que el protagonista se acuesta con Yoclasta, su propia madre, esencial para comprender la tragedia. Y el colmo de lo cutre era cambiar el final desolador de algunas películas como Ladrón de bicicletas o Los 400 golpes añadiendo una voz en off que transformase radicalmente el sentido.

En fin, que cuántas cosas no habremos perdido en esos años de franquismo, no sólo por la censura sobre el cine que llegaba de fuera, sino más bien sobre la producción patria, que tuvo bastante limitados a grandes genios como Berlanga. País... Si queréis saber más no dejéis de leer el artículo original.

Origen o no te fíes del grueso de los internautas

Cuando un amigo me habló sobre el estreno de Origen, la nueva película de Christopher Nolan, no pude evitar sentir curiosidad ante las críticas que despertó en Filmaffinity, una de las webs sobre cine más visitadas. Resulta que nada más estrenarse alcanzó una calificación cercana a los nueve puntos, que luego fue bajando hasta el 8,2 actual. Para que os hagáis una idea del baremo con el que tratamos, las películas con más puntuación en la web son El Padrino, con 9,1; El Padrino II, con 8,9, y Luces de la Ciudad, con 8,7. Es decir, que Origen estuvo durante algún tiempo entre los títulos indiscutibles de la historia del cine.

Con una acogida tan calurosa, ¿cómo no ir a verla? Huelga decir que no se cumplieron los pronósticos: lo siento, pero no estamos ante una nueva obra maestra que dé un giro al cine de este poco creativo inicio de siglo. Como tal, la película no está mal. El guión es bastante correcto, con mucho siembre de dudas y vueltas de tuerca -siguiendo la tendencia de ese cine de intriga de finales de los 90 en el que se implica tanto a los sesos del espectador que estos terminan humeando mientras tratan descubrir los detalles de la trama-, aunque hay que decir que algunos aspectos del mismo están un poco fuera de tono (¿desde cuando el dueño de una multinacional se arriesga para "controlar" el trabajo sucio?) y sobra un buen trozo de metraje: demasiadas escenas de acción y explosiones muy a lo blockbuster que convierten algunos trozos en un festival de hostias bastante aburrido. Eso sí, la ambientación y el trasfondo son bastante originales, con todas esas ideas de los niveles del sueño y la posibilidad de introducirte en ellos.

Entonces, ¿qué narices es lo que ha pasado en Internet? ¿Por qué tanta gente se ha lanzado a dar tan alta puntuación a la película y por qué ha sido tan alabada por los críticos (según extractos de prensa que aparecen en la misma ficha de Filmaffinity)? Vivimos en una sociedad que tiende a glorificar lo efímero, que se enfervoriza con algo con la misma facilidad con la que lo deja de lado y que además queda eclipsada con atrevidos montajes visuales y tramas enrevesadas. Me gustaría ver la pasión que despierta Origen dentro de, pongamos, 10 o 15 años. Otro tanto le ocurre a los periodistas, que tienden a utilizar palabras rimbombantes para dar cancha a algo de lo que no se hablará dentro de poco tiempo, exagerando su importancia.

E Internet es el principal vehículo expresivo de todo esto, dónde todo el mundo expresa su opinión y las noticias corren como la pólvora. Nos obsesionamos con aplicar el criterio democrático a todo, y tenemos que asumir que las cosas no son correctas porque así lo crea la mayoría (tampoco incorrectas, ojo), sino que debemos formarnos nuestra propia visión crítica para distinguir entre las diferentes opiniones. Esto me recuerda a aquel cartel que aparece en Los Simpsons: "¡50 millones de fumadores no pueden estar equivocados!".

En fin, moraleja: tomad siempre con cautela este tipo de exhaltadas primeras opiniones y desconfiad de opiniones tan mayoritarias si no ha pasado el tiempo suficiente como para que se diluya el a veces exagerado entusiasmo inicial.

Lo que se ha perdido el cine

En El País han publicado hoy un artículo que hace un breve repaso a diez proyectos de películas que no salieron adelante por culpa de los productores. Todos son proyectos ambiciosos, superproducciones arriesgadas que hubiesen supuesto a sus promotores un éxito desmesurado o bien una ruina total.

Pero qué maravilloso habría sido ver al Napoleón de Kubrick, encarnado por Jack Nicholson, en la batalla de Waterloo, rodeado de miles de extras; algo así como la maravillosa Barry Lyndon pero a lo bestia. O ese Batman de los años cuarenta dirigido por Orson Welles, con Gregory Peck de protagonista y la diva Marlene Dietrich como Catwoman, a tan solo siete años de que el personaje apareciese en su primer cómic. Por no hablar del grandioso (no me cabe duda) Génesis de Bresson o la película con cámara subjetiva (desde el punto de vista del protagonista) de Hitchcock.

En fin, que nos hemos quedado sin grandes joyas. Y es que, no lo olvidemos, el cine es un arte caro y los productores han de buscar su rentabilidad ante todo, qué le vamos a hacer.

Los delirantes cortos de Patrick Boivin

Es innegable que Internet se ha convertido en una importante plataforma para los nuevos artistas, un medio universal para dar difusión a sus obras y hacerse un hueco en el mundillo. Y es sorprendente la increíble proliferación de cortos de cineastas noveles que pueden encontrarse en Youtube, ya sean de animación o con personajes reales.

En este contexto nos encontramos con Patrick Boivin, un director autoditacta de Montreal que cuenta en su haber con un buen puñado de geniales cortos (cortísimos los más) en los que él se encarga de todo: dirección, guión, iluminación, efectos especiales, animación... Os recomiendo encarecidamente que echéis un vistazo a su canal de Youtube, de dónde he seleccionado estos dos. Ambos están rodados con la técnica de stop motion, y en ellos se enfrentan cuatro personajes bien conocidos: Michael Jackson contra Mr. Bean e Iron Man contra Bruce Lee. Tronchantes, no os los perdáis.

La instantáneas de Kubrick

Es obvio que el cine es una suerte de hijo de la fotografía, y como tal es normal que los grandes cineastas se hayan sentido atraídos también por la imagen estática. Fue el caso de Stanley Kubrick, que antes de comenzar a rodar trabajó como fotoperiodista para varias revistas, incluida la neoyorquina Look. Ahora se puede disfrutar de estas fotografías en El Palazzo della Ragione, en Milán, dónde se exponen más de 200 instantáneas realizadas entre 1945 y 1950. Desde luego, por las pocas que aparecen en el artículo de El Mundo, de dónde he extraído la noticia, la exposición debe ser toda una delicia, un reflejo de cómo el sentido artístico ya afloraba en el joven Kubrick, que sentía predilección por la fotografía espontánea y natural.

(Dedicado a Javi, al que también le gusta esconder la cámara ;) )

Zabriskie Point

Zabriskie Point fue la gran aventura americana del director italiano Michelangelo Antonioni. Estrenada en 1970, es un fiel reflejo de la contracultura americana, de unos jóvenes hastiados por el modo de vida de sus padres y hartos de Vietnam y de la discriminación racial y política. Narra la historia de Mark, un joven radical californiano que, perseguido por el presunto asesinato de un policía, roba una avioneta y pone rumbo al desierto de Mojave, donde conocerá a Daria, una muchacha que se dirige a Phoenix en un Buick de los 50.

Denostada por la crítica en su momento y luego recuperada como película de culto, Zabriskie Point enfrenta de forma magnífica a las dos caras de Estados Unidos, la del capitalismo más agresivo y el individualismo conservador, y la del activismo político y cultural. Los enormes carteles publicitarios, los viejos vaqueros acodados en la barra de un bar, los airados manifestantes marxistas... todo forma parte de la misma América, de ese collage de actitudes e ideas que tanto nos fascina a los europeos.

Con un dominio absoluto de la técnica cinematográfica, Antonioni nos ofrece escenas inolvidables dentro de un argumento algo inconexo, como si la historia no tuviese importancia y la meta sólo fuese capturar la esencia del séptimo arte, el cine como forma de creación en sí misma. Del bullicio de las manifestaciones universitarias se pasa, casi sin que nos demos cuenta, al silencio del desierto de Mojave y a la zona que da título a la película, que se revela como un lugar casi místico dónde poder dejar de lado todas las preocupaciones de la vida moderna. La escena más conocida y bella de la película es quizás esa sucesión de parejas amándose en el polvo del desierto, haciendo suyo por un instante ese lugar baldío e inhóspito.

Por supuesto, todas estas escenas no serían lo mismo sin la maravillosa banda sonora, compuesta en su mayor parte por Pink Floyd, cuyos punteos de guitarra se alternan con canciones de la América profunda y con los famosos silencios de Antonioni. Puede que no se trate de una obra maestra global, pues presenta ciertos altibajos, así como un final desconcertante aunque estilísticamente soberbio. Sin embargo, la forma de plasmar el conflicto intergeneracional de la época y el talento que se drespende de muchas de las escenas la convierten en una película imprescindible para cualquier amante del séptimo arte.

50 años de psicosis

Se celebra ahora el 50º aniversario de la película Psicosis, de Alfred Hitchock, una obra maestra del cine que ha envejecido bastante bien. Al margen de su excelente ambiente, de esa tensión constante que parece emanar de cada habitación del Motel Bates, Psicosis dio un paso importante en aras de la madurez del cine americano. Y es que consiguió diluir la estricta definición maniqueísta de la que adolecían la mayoría de los villanos de cine. A partir de este momento el "malo de la película" podía no serlo tanto, y aparece la figura del asesino perturbado, para el que el asesinato no es un ejercicio lucrativo sino una forma de liberación traumática o, sencillamente, una fuente de placer. El asesino no elige el camino del mal, sino que no es más que una víctima de su propia psique atormentada, y entra en juego la dicotomía malvado-enfermo, moviendo al espectador a compadecerse del que hace unos minutos condenaba.

Las ideas freudianas sobre la figura materna y la bipolaridad esquizoide se mezclan para crear un Norman Bates complejo y desasosegante, un asesino escondido en la piel de una persona educada y afable. Ahí reside gran parte del terror de la película, en la idea de que el simpático vecino del segundo pueda ocultar una personalidad siniestra y de que incluso nosotros mismos podamos perder algún día el sentido de la realidad.

Fellini al descubierto

No hay duda de que Federico Fellini es uno de los mejores directores de la historia del cine. Para acercarnos más a la figura de este artista, desde el pasado 17 de febrero hasta el 13 de junio puede verse en el CaixaForum de Barcelona una expoxición sobre su trayectoria artística. Desde sus trabajos para fotonovelas hasta sus últimas películas, la exposición repasa esa gran miríada de obsesiones personales e ideas geniales que plasmaba en sus obras.

Y no pensar que se trata de una simple y aburrida muestra de fotogramas; en ella se encuentran fotografías inéditas de rodaje (muy buenas sobre todo aquellas en las que el director enseña a sus actores cómo deben aparecer en escena), dibujos originales, ejemplares de revistas... Y por supuesto, cine: a lo largo de este gran recorrido por la filmografía felliniana se proyectan los fragmentos más icónicos de sus obras en grandes pantallas blancas, que otorgan cierto dinamismo a la exposición y sirven también de recordatorio para los que las disfrutaron hace tiempo. El montaje es exquisito, desgranándose toda la historia presente alrededor de sus films a través de material complementario, buscando las fuentes de inspiración de Fellini para así ir también conociendo poco a poco a este gran artista. Todos sus personajes más característicos se pasean por las paredes del CaixaForum: los payasos, los paparazzi, la famosa estanquera, los religiosos estrafalarios o las prostitutas gordas.

Como material curioso al margen del cine, podemos encontrar muchas páginas del llamado El libro de los sueños, diario personal en el que el director apuntaba los sueños que tenía y los ilustraba con coloridos dibujos. En ellos puede descubrirse gran parte de los motivos que luego aparecerían en muchas de sus películas.

Al salir de la exposición, que, por cierto, es gratuita, uno acaba con una sensación de despertar, como si hubiese salido de un largo viaje por la compleja mente del genio. Y le dan a uno ganas de correr a casa, poner todas sus películas de tirón y no salir nunca del universo felliniano.

Scarface en versión infantil

Este vídeo, en el que unos niños pequeños intrepretan una versión de la película Scarface, de Brian de Palma, se ha convertido en todo un éxito en Internet. Todo el mundo creía que se trataba de una representación escolar, y numerosos internautas habían clamado al cielo porque se hiciese representar una película tan violenta a tan tiernos pipiolos. Pues bien, resulta que al final el vídeo fue rodado por Mark Klasfeld, al que ya pudimos ver en acción en el videoclip de la versión del Smooth Criminal de Michael Jackson que hicieron Alien Ant Farm (en el que se rinde homenaje de manera genial a otros videoclips del Rey del Pop) o en el vídeo viral en el que un montón de personas bailaban juntas a MC Hammer.

Vedlo y juzgad por vosotros mismos, aunque dudo mucho que esto vaya a influir demasiado en la educación de los niños. Además, si os fijais los tacos están disimulados por otras palabras ("son of a bee" en lugar del típico "bitch", por ejemplo) y la montaña de coca pasa a ser un montón de inocentes palomitas.

(Vía El País)

Travis Binckle visto por Lars Von Trier

"Taler du til mig?". Así sonaría en danés (al menos, según el traductor de Google) el famoso "You talkin' to me?" pronunciado frente al espejo por un Robert de Niro armado y sin casimeta en la magnífica Taxi Driver, allá por el 76. Y es que el rumor que más impacto ha causado en lo que llevamos de Berlinale es el que sitúa a Lars Von Trier, el cineasta danés más consagrado, como director de una posible continuación de la película de Scoresese, protagonizada de nuevo por de Niro. No quiero aventurar cómo saldrá la película, pero desde luego tiene que ser curioso ver a un Travis Binckle de 66 años aplicando su visión de la justicia e intentando limpiar "toda esta escoria de las calles". Además, supongo que Von Trier "europeizará" un poco el asunto, huyendo de la tentación de hacer una segunda parte comercial para encabezar la recaudación en taquilla. Tenéis más información en El País.

Actualización: Vaya, la productora de Von Trier ha desmentido totalmente el rumor. Al parecer, al cineasta danés le da pánico volar y le sería imposible viajar a Estados Unidos para rodar la película. Lo que sí se ha confirmado es que va a rodar junto con Scorsese, pero un film experimental. De nuevo, tenéis más información en El País.

Banksy en la Bernilale

El famosísimo graffitero Banksy es el protagonista de la última proyección del Festival de Berlín de este año, en el que presenta su primera película, sobre la que aún no se sabe demasiado. Exit through the gift shop, que así se llama (algo así como Salida por la tienda de regalos, en alusión a la salida de los museos), es al parecer un documental relacionado con el arte callejero, con el toque irónico típico de Banksy, según puede verse en el tráiler que os dejo a continuación. Además, a la película se le añade el morbo de que Banksy no ha revelado aún su identidad al público, aunque dudo que en esta ocasión lo haga. Tenéis más información en El País.

P.D: Para quién no conozca a Banksy, cuyos graffitis han seguido siempre la línea de denuncia social (ha pintado hasta en el muro de Gaza), le recomiendo buscar obras suyas en Google. Creo que tengo por ahí una buena colección de imágenes, que subiré cuando encuentre.

Avatar y los desquiciados

Es ya evidente que el fenómeno Avatar ha supuesto un gran impacto en la cultura de masas y ha renovado en cierto modo la industria del cine, anquilosada en blockbusters que parecían fabricados en serie, al extender masivamente la proyección en 3D aderezada por unos sorprendentes efectos especiales y unos entornos y personajes muy imaginativos.

Pues bien, ahora está película (que, recordemos, no es para niños aunque salgan seres azules) ha levantado las protestas de las asociaciones antitabaco de Estados Unidos, empeñadas en su cruzada contra los cigarrillos en Hollywood. Resulta que en la película uno de los personajes, la jefa del equipo de investigación de Pandora, interpretada por Sigourney Weaver, está constantemente fumando. Y realmente este hábito insano viene que ni pintado a la científica, que es algo irascible, dura y autoritaria.

Las protestas se han acentuado por ser ésta una película con claro mensaje ecologista. Sinceramente, me indigna bastante la actitud de estos colectivos, estos talibanes del tabaquismo que consideran la nicotina como el más terrible de los males y que no contentos con no fumar y transmitir ese mensaje a sus allegados, pretenden prohibir a todos que fumen. Sería censurable si en las películas apareciesen anuncios de tabacaleras o se presentasen los cigarrillos como algo saludable, pero en la mayoría de los casos lo que ocurre es que en ellas simplemente se refleja la realidad de una sociedad en la que, lo quieran o no estos señores, mucha gente continúa fumando.

Creo que se están sacando las cosas de quicio en muchos temas similares, y la obsesión por prohibir se está extendiendo a los gobiernos: no dejar fumar en lugares como los pubs, precisamente construidos en base a los vicios insanos; prohibir corridas de toros; no permitir que los niños suspendan aunque no se esfuercen porque al parecer eso es malísimo para su autoestima... En definitiva, estamos cultivando una panda de lloricas que intentan imponer su catecismo sobre lo que es correcto y lo que no como si de una religión se tratase. Dejen que cada cual se mate a su manera y centrénse sencillamente en inculcar esos valores a sus hijos.

(Gracias a mi padre por la noticia)

Hongos atómicos

Muy impactante este vídeo de una explosión submarina grabado en el atolón Enewetak durante unas pruebas nucleares realizadas por los norteamericanos en 1958. Supongo que estaría bien controlado, pero tuvo que ser sobrecogedor estar a bordo del barco que aparece en las imágenes y que queda completamente oculto por el agua. El vídeo lo he visto en Microsiervos, y tiene su origen en Atomic Central, una web en la que tratan todo lo relativo a las bombas atómicas y en la que pueden encontrarse más vídeos sorprendentes.

Como suplemento, todo esto me ha recordado al final de la genial película de Kubrick ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, en el que se suceden imágenes de explosiones atómicas mientras suena de fondo We'll Meet Again, interpretado por Vera Lynn.

Michael Moore vuelve a las andadas

El subversivo cineasta Michael Moore, ha dirigido una nueva película documental, Capitalismo: Una historia de amor, que analiza los orígenes de la crisis económica. Al igual que ya hizo en la oscarizada Bowling for Columbine y en Farenheit 9/11, Moore utiliza su mordaz estilo para atacar no a la sociedad americana, como proclaman sus detractores, sino a las cosas que se están haciendo mal en Estados Unidos. Para ello recupera antiguos discursos de Roosevelt y vuelca sus esperanzas en Obama, en el que sigue confiando a pesar de haber aumentado el número de efectivos en Afganistán, medida que ha criticado duramente. Él afirma que ojalá el nuevo presidente dé la talla y no se viese en la necesidad de hacer más películas de este estilo, lo que significaría que las cosas habrían cambiado en su país.

Podéis encontrar más información sobre la película, que se estrena el próximo viernes en España, y sobre el trabajo en general de Moore en El Mundo y en El País.

De un corto en Internet a la gran pantalla

Según publicaron los de Microsiervos hace unos días, Ghost House Pictures ha fichado a Fede Álvarez, director uruguayo, para hacer una película con un presupuesto de 30 millones de dólares. Lo curioso del caso es que Álvarez fue fichado gracias a este espectacular corto, Ataque de pánico!, que contó solamente con 300 euros de presupuesto e implicó a seis personas durante seis meses. Es realmente sorprendente cómo con tan pocos medios pudieron elaborar unas escenas dignas de un millonario blockbuster, en las que hasta se destruyen emblemáticos edificios de Montevideo. Para que luego digan que colgar tus creaciones gratuitamente en Internet no aporta beneficios.

El baile de los bomberos

Antes de rodar sus películas más destacadas, Alguien voló sobre el nido del cuco y Amadeus, Miloš Forman era ya un director conocido en su Checoslovaquia natal. La causa de que emigrase a Estados Unidos fue El baile de los bomberos (Horí, má panenko en el original), una divertida comedia estrenada en 1967 cuya visión de la sociedad checa no gustó nada al gobierno, que aumentó sus restricciones tras la Primavera de Praga.

El argumento gira en torno a un baile que organizan los bomberos de una pequeña ciudad checa para rendir homenaje a su antiguo jefe, ya jubilado, y del que acaban de conocer que padece cáncer. La fiesta es todo un acontecimiento para el pueblo, aunque pronto empiezan a torcerse las cosas: los manjares que van a rifarse empiezan a desaparecer, los bomberos no son capaces de encontrar candidatas para su concurso de belleza... Todo ello observado pacientemente por el octogenario homenajeado al que todo el mundo ignora.

A pesar de que Forman no quiso hacer una alegoría soviética, sus ataques contra el egoísmo y la falta de consideración humanas bien podrían aplicarse al sistema de organización de los miembros del Telón de Acero. La pompa superficial al agasajar al "camarada" jubilado, la necesidad que lleva a los ciudadanos a robar los alimentos de la rifa o la avanzada edad de los bomberos y su ineficacia a la hora de apagar un fuego evidencian la actitud ambivalente del régimen comunista.

Pero, a pesar de su carga política, no debemos olvidar que El baile de los bomberos es una buena comedia repleta de escenas de humor negro y situaciones absurdas, protagonizadas por actores no profesionales, descubiertos en el pueblo en el que se rodó la película. En definitiva, un título imprescindible que combina elementos cómicos con un mordaz análisis del comportamiento humano.

P.D: Creo que no está doblada al castellano y es bastante difícil de encontrar, así que, por mal que le pese a Sinde, tirad de Internet.

Se nos va Paul Naschy

Jacinto Molina Álvarez, más conocido como Paul Naschy, nuestro actor y director de cine de terror más internacional, ha fallecido a los 75 años. Nos deja así todo un personaje del cine kitsch y uno de los más famosos intérpretes de hombre lobo. En El País podéis encontrar una entrevista inédita además de un decálogo de sus películas más importantes. Aquí os dejo también el tráiler de uno de sus largometrajes más conocidas, La Noche de Walpurgis, en la que se mezclan vampiros con hombres lobo incluyendo elementos del cine gore. Descanse en paz.

Una película inédita de Chaplin

Sorprendente lo que le ocurrió a Morace Park, un internauta de Essex que navegando por eBay se topó con una lata antigua para guardar películas. La compró por algo menos de 4 euros y resulta que en su interior había una película inédita de Charles Chaplin. Al parecer es una cinta de unos 7 minutos que entremezcla secuencias del actor y animación, en un tono según dicen similar al de los Monty Python. Se cree que pudo pertenecer a una propaganda del gobierno para tranquilizar a la población ante los bombardeos durante la I Guerra Mundial.

(Vía El País)